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Em seu álbum anterior, Sankofa (2021), o mundialmente aclamado pianista Amaro Freitas, lançou um tributo à ancestralidade que foi amplamente elogiado, ligando num só fio condutor inspirações tribais africanas com elementos afro-brasileiros e afro-americanos. E Amaro construiu essa concepção em roupagens contemporâneas, com abordagens amalgamadas que realmente se comunicam com os novos ouvintes adeptos ao jazz contemporâneo —— ou seja, já soando muito longe da concepção passadista ou tribalista da "world music", ou de algum tipo de saliência tradicionalista que, com certeza, já não agradaria os ouvidos dos "millennials" e, muito menos, da confusa "Geração Z"... Agora em 2024, pois, Amaro segue na mesma guinada inventiva, mas desta vez fazendo um tributo à Floresta Amazônica, aos povos originários e aos rios do Norte do Brasil. Em termos de complexidade, os álbuns anteriores de Amaro —— tanto Sangue Negro (2016) como Rasif (2018), bem como o citado Sankofa (2021) —— apresentam um volume maior de improvisos sinuosos, harmonias mais elaboradas e construções rítmicas mais estruturadas. Neste álbum acima, porém, Amaro soa mais reducionista, mais "minimalista" e mais disposto a atingir seu público de forma mais pragmática, mais direta. Na verdade, Amaro apresenta uma ousadia diferente aqui! Muito embora soe composicionalmente reducionista e disposto de simplicidade, num sentindo de que as peças foram calcadas mais em linhas melódicas, pitadas mínimas de improvisos livres e acordes repetitivos com apliques pragmáticos de sons afro-indígenas, este álbum tem sido aclamado como um registro conceitualmente bem elaborado. Além das sonoridades adicionadas pelos músicos convidados, todos músicos emblemáticos do jazz contemporâneo, o conceito inovador do álbum centra-se tanto no pianismo jazzístico como no formato experimental do piano preparado para evocar as temáticas, os sons, os encantamentos e as atmosferas quentes e úmidas do Norte do Brasil, criando uma amálgama inovadora onde o piano se transforma num instrumento sintetizante da brasilidade amazônica. O álbum Sakofa, aliás, já fora inovador e chamativo nas formas como Amaro inseriu o piano dentro de uma abordagem afro-diaspórica, somando-se aos poucos pianistas que hoje, no mundo, levam o piano acústico para fora dos habitats naturais do jazz e da música erudita. E agora, com este álbum chamado "Y’Y", ele lança mais outro registro inovador, desta vez levando o piano para afastados territórios amazônicos e, mais do que isso, abordando esse instrumento clássico de forma iconoclasta e exploratória. Aliás, pode-se dizer que Amaro Freitas é, agora, um dos poucos pianistas da história da música brasileira a explorar o território nortista e a se debruçar sobre as temáticas indígenas e os sons da Amazônia, uma vez que a maioria dos músicos brasileiros centram-se mais em adereços brasilianistas sudestinos (samba-jazz, bossa, MPB, choro e afins) e nordestinos (frevo, maracatu, baião e afins). Para além das inspirações da sua Recife e dos sons e ritmos nordestinos que também o inspiram, Amaro Freitas, diferentemente, tem escolhido nossa identidade afro-indígena para representar o Brasil, criando uma amálgama sonora única, espiritual e reveladora!
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★★★★ - Amaro Freitas - Y'Y (Psychic Hotline, 2024).
Lembremos que o percussionista Naná Vasconcelos, o violonista Sebastião Tapajós e o pianista Egberto Gismonti (a partir das suas parcerias com Marlui Miranda) foram três dos poucos ases da música instrumental brasileira a estudarem e transcreverem, cada um ao seu modo, as temáticas e as atmosferas da Amazônia em formas de sons. É, pois, neste álbum acima que Amaro Freitas se inspira no álbum Amazonas (Philips, 1973) do mestre Naná para também criar seu tributo à imensidão da floresta, aos povos originários e aos encantamentos desse território de fauna e flora que para nós, habituados apenas nos centros urbanos, parece apenas um território distante do nosso imenso Brasil, mas na verdade nos tem sido cada vez mais carente de cuidado e cada vez mais precioso para nossa sobrevivência —— é cada vez mais urgente, em face aos desastres climáticos e ambientais, que nossa atenção, nossa consciência e o nosso protesto se voltem para a necessidade de preservação da Amazônia e dos seus povos guardiões. E neste álbum acima, podemos afirmar que Amaro Freitas faz isso através de um conceito sonoro inovador porque ele tem a inédita ideia de usar o conceito do piano preparado —— um conceito experimental inaugurado por John Cage nos anos de 1930, ainda nos âmbitos iniciais da música erudita moderna —— para fazer do piano acústico um instrumento também amazônico. Para tanto, Amaro acopla nas cordas que estão dentro da caixa de ressonância do piano diversas fitas, pedaços de madeira, peças de dominó, prendedores e sementes amazônicas (as que os índios costumam colocar em seus chocalhos maracás) para enriquecer as paletas timbrísticas e percussivas desse piano clássico agora inserido dentro de uma abordagem tribal brasilianista. Quem, como eu, acompanha as redes sociais de Amaro, deve ter percebido que, já havia algum tempo que o pianista vinha dando mostras de que seus interesses estavam voltados para o piano preparado e para as improvisações livres. Só não poderíamos imaginar como o pianista poderia inserir esses procedimentos de vanguarda dentro do seu estilo de jazz contemporâneo. Ainda mais surpreendente seria agora atestar que ele uniria esses conceitos, ideias e procedimentos dentro de uma abordagem brasilianista essencialmente amazônica. A junção das ideias acontece, pois, quando Amaro vai tocar no Teatro Amazonas e por lá fica para ter contato com a comunidade indígena dos Sateré Mawé, povos que são conhecidos pelo Ritual da Tucandeira e por terem sido responsáveis por transformar o guaraná em bebida brasileira principal e hoje mundialmente consumível. É aí que Amaro Freitas tem, então, uma verdadeira imersão cultural e espiritual num outro Brasil que ele não conhecia, ficando encantado com as lendas, os rituais, as histórias, e abstraindo os sons dos rios, dos povos e da floresta. É dessa experiência, então, que surge o álbum Y’Y, com esse título que faz menção justamente ao dialeto Sateré Mawé: sendo que "y’y", no dialeto desses indígenas, significa "água" ou "rio". Nas instrumentações —— que aqui não conta com Hugo Medeiros e Jean Elton, parceiros do seu aclamado piano-trio ——, o pianista enxerta diferentes sons e timbres explorados diretamente do piano preparado e também atua com kalimba, chocalhos e sintetizador, e ainda conta com diferentes colaboradores internacionais de renome tais como Jeff Parker (guitarra na faixa "Mar de Cirandeiras"), Brandee Younger (harpa na faixa "Gloriosa") e um trio ocasional formado por Hamid Drake, Aniel Someillan e Shabaka Hutchings (respectivamente na bateria, contrabaixo e flauta tribal na faixa "Encantados"). Conforme Freitas e trio davam vazão em suas turnês e shows nacionais e internacionais, as faixas eram gravadas em diferentes locais como o estúdio Carranca de Recife, o estúdio Maxine de Milão e estúdios em Los Angeles e Brooklyn. De Recife para o Mundo, a arte de Amaro Freitas representa muito bem o Brasil!!!
★★★★ - Oran Etkin - Open Arms (GroundUp Music, 2024).
O saxofonista e clarinetista israelense, naturalizado americano, Oran Etkin empreende um engenhoso projeto a nível global e, no meio do molho, faz um belo tributo ao Brasil aqui neste seu álbum. Inspirado pelo legendário jazzmaster Yusef Lateef (1930-2013), Oran Etkin tem um direcionamento estético voltado para as intersecções do jazz contemporâneo com elementos da world music que é muito interessante! (Sem deixar de mencionar que, quando ele se desvia dessa verve mais "world jazz", ele também costuma revelar projetos por demais criativos, como é o caso do seu álbum infantil Healthy Food for Thought, que conquistrou uma indicação ao Grammy Award e outra indicação ao Independent Music Awards). Em seu escopo estão sempre inclusos rítmos, melodias e sons da klezmer judaica, da música do Oriente Médio e da música africana. O álbum acima mostra essas inclinações, mas acrescenta a música brasileira ao tacho. Chamado de "Open Arms", o álbum acima é um registro, então, desse seu projeto de digressão global a partir do qual ele visitou e gravou músicas com diversos instrumentistas do Brasil, Zimbábue, EUA, Canadá, República Tcheca e Turquia. Desembarcando no Brasil, no Rio de Janeiro e em São Paulo, Oran Etkin se encontra com o pianista Benjamin Taubkin, com o cantor e flautista brasileiro Danilo Caymmi, com a cantora Vanessa Ferreira, com o baterista Sérgio Machado e com o guitarrista Davi Mello. Com intenção de gravar arranjos para algumas das suas preferidas canções brasileiras, o foco acaba centrando-se nas canções e na poética do clã do mestre baiano Dorival Caymmi (1914-2008). Com Benjamin Taubkin (piano), João Taubkin (contrabaixo) e Kabé Pinheiro (percussão), Oran Etkin também grava seu autoral e inusitado samba "Pro Carnaval Voltar", que traz entonações médio-orientais um tanto belas e curiosas. No demais, o álbum traz faixas gravadas com o tocador de mbira Musekiwa Chingodza do Zimbabué, com o tocador de oud e guitarra turca Erkan Oğur, com a cantora cigana Pavlina Matiova de Praga, com a cantora árabe-turca Jehan Barbur, com o pianista Thomas Enhco de Paris, com os americanos Kevin Hays (piano) e Matt Wilson (bateria) e com outros músicos de outros lugares do mundo. Dessa forma ritmos e tons da klezmer judaica se fundem com entonações e acentuações árabes e turcas, os quais também se fundem com canção cigana, ijexá, samba e música africana, elementos os quais são todos condensados por sofisticados e contemporâneos arranjos. Oran Etkin explica, enfim, que ele escolheu esse título para o álbum porque considera que sua música é sua única arma de enfrentamento ao fascismo latente, uma arma da paz que une os povos e que, portanto, é sua contribuição individual para combater os discursos e sentimentos de ódio e de medo os quais vem crescendo no mundo, uma triste realidade que ele mesmo presenciou em suas viagens por vários países.
★★★★¹/2 - André Marques Trio - Tempo de Criança (Tratore, 2023).
Sendo este seu 20º álbum da carreira —— lembrando que o pianista tem diversos registros com grupos, bandas e orquestras importantes como Trio Curupira, Hermeto Pascoal & Grupo, Vintena Brasileira e André Marques Sexteto ——, André Marques mais uma vez evidencia que sua contribuição inovadora para a música instrumental brasileira vai muito além da celebração tarimbada dos nossos ritmos tradicionais e da mera releitura das nossas canções. Atuando frequentemente com o formato de piano-trio, André Marques está frequentemente introduzindo abordagens mais contemporâneas, dinâmicas mais esfuziantes e contrapontísticas e métricas rítmicas mais exploratórias para este combo no âmbito das intersecções da música instrumental brasileira com o jazz contemporâneo. Em seu álbum anterior Choro Universal (2021), por exemplo, André Marques e seu trio trouxeram o gênero do choro, que é um gênero tradicional da música brasileira, para o plano da contemporaneidade através de arranjos inusuais e desenvolvimentos métricos não convencionais advindos de outros ritmos não originários do choro: eles tocam um tema de choro num arranjo inusual e com ritmo de maracatu, por exemplo... Já neste álbum, Tempo de Criança (2023), André Marques e seu trio exploram os ritmos do coco, do ijexá, do cateretê, do samba e do frevo a partir de métricas rítmicas impares e improvisos mais contrapontísticos que já são inspirados nas inovações mais recentes do jazz contemporâneo. Os resultados dessas inflexões são interessantes porque revelam uma brasilidade inovadora que se expande para muito além dos padrões já há muito tempo manjados, colocando a música brasileira nos radares contemporâneos do século 21. Lembremos, afinal, que essa é uma evolução que vem essencialmente do mestre Hermeto Pascoal, que desde os anos 70, no âmbito do seu moderno conceito de "música universal", tem nos inebriado com estruturas inovadoras de choros assíncronos e sambas irregulares em métricas em 7/4, por exemplo... Mas pode-se dizer que André Marques vem amalgamando esse conceito hermético de forma não menos que magistral com as dinâmicas do jazz contemporâneo, inserindo o conceito do piano-trio brasileiro nas mesmas diretrizes intrincadas e inovadoras desenvolvidas por pianistas americanos ambientados nos estilos do post-bop e do m-base —— tais como Brad Mehldau, Jason Moran, Vijay Iyer, e outros... Em suma, os desenvolvimentos das composições e dos arranjos de André Marques são sempre muito ricos e variados, de forma que até numa mesma composição ou canção há diversas inflexões, brincadeiras, dinâmicas e passagens diferentes, além de uma variedade de estilos de improvisos, fraseios, contrapontos e métricas, os quais podem variar do mais livre rubato às mais ímpares inflexões rítmicas. Gravado em Lyon, França, durante uma turnê europeia do trio, o álbum registra composições autorais de André Marques e seus inventivos arranjos sobre canções de Gilberto Gil e Carlos Lyra, comemorando os 30 anos de carreira do pianista, homenageando seu filho, Tito, e trazendo inspirações e lembranças da sua própria infância. Genial!!!
★★★¹/2 - Tom Cykman & Félix Júnior - Chorando em Frente (Tratore, 2024).
O guitarrista Tom Cykman, natural de Florianópolis e atualmente residente em São Paulo, acaba de gravar seu primeiro tento, Chorando em Frente, trazendo-nos um duo primoroso de guitarra e violão. Uma das intenções de Tom Cykman é trazer a guitarra jazzística para os âmbitos do choro e doutros gêneros-chave da música popular brasileira, se inspirando nas linguagens de instrumentos dominantes como bandolim, violão e acordeom para construir pontes, novas sonoridades e novos arranjos. Com um timbre diferenciado de guitarra semiacústica —— levemente eletrificada ——, Tom Cykman se junta ao exímio violonista Félix Júnior para gravar nove pérolas da gema do choro, incluindo pérolas como "Cochichando" (1944) e "Naquele Tempo" (1934) de Pixinguinha, "Doce de Coco de "Jacob do Bandolim (1951), "Eu quero é Sossego" de K-Ximbinho (1952), "Perigoso" de Orlando Silveira e Esmeraldino Sales (1957) e "Receita de Samba" de Jacob do Bandolim (1967). E é magistral como o duo enfatiza os aspectos da fluência e da atemporalidade: não se trata apenas de releituras manjadas dos choros originais, mas trata-se de versões que enfatizam bastante os moldes improvisacionais em torno dessas pérolas atemporais. Em termos estruturais, a complexidade do choro é muito mais calcada na composição, com alguns ornamentos e variações sendo improvisados apenas como transições ou pontes entre as frases, enquanto o jazz, diferentemente, prioriza a complexidade do improviso e é um gênero que já passou por várias evoluções em seus conceitos improvisacionais. Mas é preciso enfatizar que mesmo dentro da estrutura da composição escrita, o choro tem um rico elemento ornamental que também advém de improvisos e variações: muitas das frases principais do choro foram ornamentos improvisados que os instrumentistas-chorões transcreveram para a partitura, muitas das vezes juntando pedaços de ornamentos até se concluir a composição inteira de um choro. Tom Cykman e Félix Júnior enfatizam bem essa estética ornamental com sobreposições bem recheadas. Enquanto Félix Júnior mostra um violão calcadamente brasileiro com muita fluência e desenvoltura nas intercalações das passagens da baixaria, dos acordes, dos ornamentos e dos acompanhamentos rítmicos, Tom Cykman sobrepõe os solos da sua guitarra nas exposições dos temas e frases principais e já logo desenvolve improvisos e fraseios com leves inflexões jazzísticas, mostrando fluência e confluência na interligação do choro com o jazz. Em outras passagens, o violão 7 cordas de Félix Júnior toma a dianteira expondo a linha melódica principal do choro, enquanto a guitarra de Cykman tempera o acompanhamento com acordes jazzísticos e linhas de improvisos contrapontísticos. Ouçam!!!
★★★★ - Lucas Arruda - Ominira (Favorite Recordings, 2024).
Embora preencha uma fatia pequena que sempre soou praticamente nas margens do que se convencionou rotular como "MPB", o range do "brazilian soul/ brazilian fusion" é um subgênero que revelou talentos e nomes que se tornaram —— e estão se tornando —— cada vez mais cultuados e eternos por ouvintes inteligentes: falo de nomes como Dom Salvador, Raul de Souza, Banda Black Rio, Tim Maia, Lincoln Olivetti, Robson Jorge, Eumir Deodato, Cassiano, Claudio Zoli, incluindo figuras que embalaram os anos 90 e 2000 tais como Max de Castro, Ed Motta, Simoninha... e algum outro que eu esteja aqui esquecendo. E agora, na contemporaneidade, temos o multi-instrumentista Lucas Arruda, natural do Espírito Santo, que também tem lançado trabalhos admiráveis dentro desse range. Desde o início da década de 2010, com o álbum Sambadi (2013), Lucas Arruda vem desenvolvendo-se numa trajetória onde esse range soa com distinta brasilidade. Já em 2019, Lucas lançou o álbum Onda Nova, onde ele mergulha nas influências de Robson Jorge e Lincoln Olivetti, com o objetivo de capturar a verdadeira essência do brazilian funk e do estilo AOR (álbum-oriented radio) disseminado por esses titãs nos anos 70 e 80. Agora, com este álbum acima, Ominira (2024), Lucas se aprofunda ainda mais em suas influências afro-brasileiras, criando uma verdadeira simbiose intergêneros. O álbum já começa com um sample de vozes aleatórias e repiques carnavalescos fazendo fundo para uma introdução que soa meio fusion e meio lounge. Depois, o álbum segue com canções e embalos onde elementos nostálgicos do samba e da MPB se fundem com tons de soul e grooves eletrônicos abrasileirados de funk, jazz-fusion, boogie, AOR e disco music. E, lógico, o nosso querido soulman Ed Motta parece ser uma das inspirações, vide a faixa "Abraços pro Ed", quinta faixa do disco. Muito bom! O álbum foi lançado pela gravadora francesa Favorite Recordings e tem sido mui elogiado pela mídia internacional.
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★★★★¹/2 - Paulo Almeida & Rubinho Antunes - B.E Connection Ensemble (2023).
Conheci o trompetista Rubinho Antunes anos atrás após ouvir seu ótimo e mui bem arranjado álbum Expedições, lançado pela Blaxtream em 2018: um álbum onde o compositor e trompetista nos leva a viajar por suas expedições, explorações, trilhas e estadias por vários lugares do Brasil e do mundo, incorporando influências de músicos de diferentes etnias, absorvidas no período em que viveu na França (2011 a 2014), incluindo músicos tais como Ibrahim Maalouf (Líbano), Avishai Cohen (Israel) e Tigran Hamasyan (Armênia), além de Moacir Santos e Egberto Gismonti (Brasil), Christian Scott, Esperanza Spalding e até Black Sabbath (EUA). Lembro também que é neste disco, Expedições, que o trompetista lança algumas faixas em homenagem à nossa estimada Minas Gerais... Um álbum muito bom: ouçam!!! Agora, pois, o aclamado trompetista se junta ao baterista Paulo Almeida para formar um ensemble, uma compacta big band contemporânea, para trilhar as modernidades que este combo mais extensivo do jazz contemporâneo tem apresentado nas últimas décadas, mas agora trazendo essa abordagem para o âmbito da brasilidade. O nome do projeto é B.E Connection e no Spotify ja há um EP com quatro belas peças para se ouvir. Nos EUA, já nos anos 90, bandleaders como Wynton Marsalis e Maria Schneider foram dois dos ases a resgatar o gosto pelas big bands e inovar nos arranjos e composições do jazz orquestral: com Wynton desenvolvendo uma expansão a partir da influência ellingtoniana; e com Maria Schneider representando uma nova diretriz que inovou a orquestra de jazz a partir da abordagem mais cool de Gil Evans, mais textural, mais camerística, adquirindo um estilo onde aqueles rompantes da big band tradicional já se diluíam em composições que amalgamavam jazz, música erudita e melodias com elementos do pop-rock contemporâneo através de texturas e combinações de timbres inovadores. Em 2023, então, o trompetista Rubinho Antunes e o baterista Paulo Almeida se juntam para formar este ensemble expandido que traz ecos dessas influências jazzísticas com muito aplique de arranjos brasilianistas já bem puxados para a contemporaneidade. E é uma ambição compartilhada por ambos: a ambição de levar a música adiante! O baterista Paulo Almeida, por exemplo, já vinha de experiências com seus projetos Paulo Almeida Quinteto e Jazz Combo, os quais já apontavam para um caminho de fundar um combo mais expandido no formato de um ensemble. Deu certo! O projeto do B.E Connection lança luz para essa necessidade e busca que há hoje no Brasil, que é o surgimento de mais combos, orquestras e ensembles que conectem nossa brasilidade com a contemporaneidade urbana dos ensembles do século 21, com as tendências estéticas e as inovações contemporâneas concernentes ao arranjo orquestral do jazz contemporâneo mais criativo. Fiquemos atentos e torçamos para que o projeto B.E Connection ganhe cada vez mais corpo enquanto ensemble e nos traga cada vez mais shows e álbuns!!!
★★★★ - Henrique Mota - É Pra Jazz (On Records, 2024).
Fiquemos atentos à este nome: Henrique Mota! Natural de São Caetano do Sul, São Paulo, o pianista apresenta uma fluência jazzística acima da média, por vezes amalgamando traços da nossa brasilidade com o jazz contemporâneo numa linhagem mais "post-bop". Henrique Mota e seu trio, formado com o grande Cuca Teixeira na bateria e Iury Batista no contrabaixo, nos fazem lembrar, neste álbum, dos desenvolvimentos do post-bop contemporâneo empreendidos por pianistas americanos tais como Kenny Kirkland, David Kikoski, Aaron Goldberg e outros pianistas que criaram uma linguagem de piano jazz contemporânea avançando a partir das inovações de Herbie Hancock e McCoy Tyner. Mas Henrique Mota também nos faz lembrar dos bons tempos dos piano-trios de bossa nova e samba-jazz, tais como Zimbo Trio, César Carmago Mariano Trio e outros. O fato é que o pianista consegue unir magistralmente essas diretrizes com suas inspirações numa só confluência, nos imergindo em composições, acordes, fraseados e improvisos repletos de frescor contemporâneo. Dessa forma, Henrique Mota varia bastante em suas releituras e composições, mostrando-nos um leque amplo com variadas cores modais, variados traços, sincopações, frases, inflexões e cadências —— como bem sugere o estilo do post-bop. O álbum começa com uma releitura modernizada de "Samba de Uma Nota Só", composta em 1960 por Tom Jobim e Newton Mendonça. Depois o álbum segue com composições autorais que evocam todo esse frescor cristalino e todos esses ecos e traços já mencionados. Segue-se a bela composição "Life Goes On" que traz traços de uma canção pop e soa como um hino nostálgico, com passagens que variam bastante em seus arranjos, acordes e cadências. Segue-se a faixa-título "É Pra Jazz", elaborada no melhor estilo do neo-bop/post-bop com afiada fluência na linguagem bop e animado walking bass. Depois Mota nos imerge numa outra bela canção com traços pop, mas dessa vez com a participação do distinto contrabaixo elétrico de Thiago Espirito Santo, o que já dá um toque mais do que especial para essa faixa. Em seguida, Mota nos imerge na suingante "Rudge Ramos", que traz uma inspiração jazzística mais "old style", mais calcada num walking bass em medium swing. Depois o pianista retorna com seu neo-bop ligeiro em "Avocado". E, por fim, o pianista e seu trio convidam o exímio saxofonista Cássio Ferreira para dar vida à linda e descontraída canção "Song for Isa", que começa com a rítmica nordestina do maracatu e acaba se desenvolvendo livremente em inflexões e improvisos sortidos que casam o jazz com a brasilidade!!!
★★★★¹/2 - Rodrigo Bragança - Lagos Flutuantes (Pés de Vento Discos, 2023).
O mineiro Rodrigo Bragança —— nascido em Belo Horizonte, com estadia em Brasília e radicado em São Paulo —— é um verdadeiro alquimista da guitarra!!! Em outros projetos nós o encontramos com sua imaginação hiper criativa levando a guitarra para o campo da ambient music e da eletrônica experimental, até com elementos de um avant-garde mais arraigado: vide, por exemplo, o álbum Improvisions I: Sand Castles (Tratore, 2022), com a vocalista Tarita de Souza, e o álbum Endless Search (Azul Music, 2023), ambos já resenhados aqui no blog. E, de repente, ele já nos apresenta este ótimo álbum com composições calcadas no jazz-fusion e na música instrumental brasileira, dessa vez salientando bastante os ritmos, as harmonias e os elementos da nossa brasilidade. Rodrigo Bragança tem uma visão contemporânea mais voltada para as vários efeitos e possibilidades timbrísticas que a guitarra pode produzir, e isso vai desde sonoridades eletrônicas produzidas com pedais de efeitos e dispositivos analógicos e digitais, passando pela ambient music mais etérea —— seu álbum Endless Search (2023), por exemplo, soa quase como um conjunto de peças etéreas calcadas numa drone music mais "minimalista"... ——, passando pela música brasileira, pelo jazz contemporâneo, avant-garde... e segue adiante evocando até traços de uma velha e boa psicodelia inspirados nos ecos do prog-rock. E o mais interessante é que seus improvisos, suas camadas de sons e composições soam, por vezes, imagéticos, cinematográficos, com certa nostalgia que nos evoca surrealistas paisagens sonoras —— essas "landscapes" é um elemento muito presente e sintetizante em sua música! E neste álbum Lagos Flutuantes —— acompanhado por uma banda formada com André Vasconcellos (baixo elétrico e acústico), Flávio Silva (piano acústico, teclados) e Priscila Brigante (bateria e percussão) e Ricardo Herz (rabeca) ——, Rodrigo Bragança e sua guitarra hiper criativa capitaneiam toda uma viagem e uma busca por uma simbiose com todos esses tons, traços, timbres e ambiências surrealistas, mas dessa vez numa verve mais jazz-fusion casada com a música instrumental brasileira através de ritmos e gêneros como o samba, o maracatu, o jongo e a MPB mineira.
O surrealismo já começa pelo título do álbum "Lagos Flutuantes". O álbum começa com a faixa "Criança" que traz um back-end de rítmicas compostas e inflexionadas numa brincadeira de contrapontos singelos fazendo um fundo para uma bela canção, com a guitarra elétrica praticamente "cantando" essa canção num timbre cristalino, quase como repaginando a nostálgica sonoridade do jazz-fusion brasileiro de outros tempos: e, de repente, a bela canção desemboca numa série de rubatos, improvisos, efeitos, contrastes e inflexões imprevisíveis. A segunda faixa, "Maracadrumba", parece ter a intenção de fazer o rítmo nordestino do maracatu soar com a inspiração de um "drum'n'bass" eletrônico, enquanto a guitarra elétrica nos apresenta uma bela canção na linha melódica evocando um timbre mais psicodélico, dessa vez contracenando com o piano acústico de Flávio Silva e a rabeca de Ricardo Herz. A canção "Jongo San", terceira faixa do disco, começa com o envolvente contrabaixo acústico de André Vasconcellos —— que atua quase sempre com o contrabaixo elétrico no restante do disco, numa verve mais "jazz-fusion" mesmo... —— e traz um mix de guitarra levemente psicodélica em simultâneo com um vocalise, percussão no batuque do jongo (ritmo afro-brasileiro advindo das áreas rurais do sudeste brasileiro) e um final com palmas, batuques, efeitos psicodélicos e improvisos ao piano elétrico (Rhodes). A faixa-título "Lagos Flutuantes" traz uma ambiência mais etérea, quase como uma "drone music" surrealista... E, para dar um último exemplo descritivo, a faixa "Samba Mineiro", sétima faixa do álbum, também traz a rítmica do samba para as ambiências eletroeletrônicas com a guitarra elétrica contracenando com o piano elétrico (Rhodes), enquanto a bateria textural de Priscila Brigante suinga ao fundo. Ademais, a influência das harmonias e sonoridades da MPB mineira também é um sedimento muito importante neste álbum fusionista onde Roberto Bragança trabalha tão bem esses ritmos imergidos em ambiências e efeitos. E a guitarra de Bragança sempre traz algo a mais do que as belas linhas melódicas e os improvisos, por vezes adicionando miúdos condimentos, detalhes, glitches e pitadas de efeitos em meio às camadas. Bem criativo!!!
★★★¹/2 - Chico Pinheiro & Romero Lubambo - Two Brothers (Sunnyside, 2023).
Aqui temos mais um duo de violonistas —— ou de guitarras acústicas —— que nos apresenta uma fluência descomunal em termos de mostrar confluência entre os idiomas da música brasileira e do jazz. Lembro de já ter ouvido Chico Pinheiro tocando com André Mehmari e o cantor mineiro Sergio Santos num álbum de canções chamado Triz (Estúdio Monteverdi, 2012) e, mais recentemente, no álbum Moments Inside (2021) com o contrabaixista americano Ben Allison, num quarteto de arraigado conceito contemporâneo com duas guitarras, com o outro guitarrista sendo Steve Cardenas e com o baterista sendo Allan Mednard. Romero Lubambo, por sua vez, é conhecido no Brasil e EUA como integrante do Trio da Paz (com Nilson Matta no contrabaixo e Duduka da Fonseca na bateria), por suas indicações aos prêmios Grammy e por dezenas de participações em gravações com inúmeros dos maiores músicos da MPB e do jazz. Aliás, uma vez assisti Romero Lubambo e fiquei impressionado com a fluência do dedilhado dele, a forma extremamente ágil como ele improvisa e fraseia usando apenas o traquejo do dedilhado, sem usar palheta. Ou seja, ambos são simplesmente os maiores nomes brasileiros do violão e da guitarra com aclamação internacional, sendo os dois dos músicos brasileiros mais venerados em Nova Iorque. Aqui eles se encontram para aplicar releituras instrumentais para canções e standards de Chico Buarque ("Morro dois Irmãos" e "Samba e Amor"), Tom Jobim ("Red Blouse" e "Wave"), Bill Evans ("Waltz for Debby"), Michel Legrand ("Windmills of Your Mind"), Henry Mancini ("Sally’s tomato"), Stevie Wonder ("Send One Your Love")..., e rolou até umas releituras-surpresas como, por exemplo, a releitura sobre a canção "Unti" de Sting e a releitura de "My Future" da jovem pop star Billie Eilish, canções que, aqui, soam com inquestionável requinte jazzístico. Gravado e lançado em 2023 pelo selo americano Sunnyside Records, este álbum nos apresenta, então, versões instrumentais requintadas de canções e temas populares através deste formato de duo de violões, com vários tons e levadas de samba, bossa nova, jazz ballads e afins. É apenas a boa música fluindo leve e solta nas mãos de dois dos maiores violonistas brasileiros de nível mundial!!!
★★★★ - Caixa Cubo (& vários convidados) - Agôra (Jazz & Milk, 2023).
Este fantástico EP nos passou despercebido aqui no Instrumental Verves em 2023. Mas como nossa intenção é sempre mostrar as novidades que estão acontecendo de um ano para o outro —— não apenas no ano vigente, mas também lançamentos do ano anterior ——, então ainda há tempo para indica-lo aqui aos nossos leitores. O trio paulistano Caixa Cubo é formado por Henrique Gomide (piano, teclas, synths), Noa Stroeter (contrabaixista, filho do aclamadíssimo Rodolfo Stroeter) e João Fideles (bateria). Eles estão na estrada há duas décadas e, nos últimos tempos, têm como foco explorar as cenas da Europa e outras cenas internacionais. E nós, orelhudos brasileiros, estamos sempre atentos ao que anda de mais criativo acontecendo aqui e lá fora, e valorizamos muito o fato de que esses músicos brasileiros estejam exalando nossa brasilidade nos mais variados points do mundo. Neste EP acima, lançado pelo selo Jazz & Milk de Munique, o trio empreende um primoroso encontro da MPB e dos grooves afro-brasileiros com elementos e beats do afrobeat, jazz-fusion, electro-funk, pop, afro-soul e afins —— rolou até alguns beats alusivos ao "funk carioca" em meio às faixas. As misturas até lembram um pouco as ambiências e o frescor dos beats e grooves que músicos britânicos estão conferindo ao jazz contemporâneo nas cenas do Reino Unido. Gravado em 2021, em Colônia, Alemanha, o álbum traz o Caixa Cubo tendo colaborações de diversos artistas brasileiros e internacionais, incluindo o trompetista alemão Matthias Schriefl, a cantora brasileira Xênia França, o cantor e multi-instrumentista brasileiro Zé Leônidas, o cantor ganês Eric Owusu (da banda alemã de afro-soul Jembaa Groove), a cantora alemã Rebekka Ziegler, o guitarrista brasileiro Eduardo Camargo e os artistas sul-africanos Bongani Givethanks e Mpho Nkuzo. Dos seus oito álbuns lançados, este é o primeiro onde o trio inclui vocalistas e amplia suas extensões estilísticas para uma amplitude tão intercontinental como a que se resultou nesse viajante compêndio de 30 minutos de nove faixas breves e autorais —— nos álbuns anteriores, a diversidade estilística do trio focou-se mais em elementos de gêneros e subgêneros como MPB, choro, samba-jazz, jazz contemporâneo..., com suas abordagens variando do piano-trio acústico para um trio elétrico focado em fusion, electro-funk e grooves eletrônicos afins. Este fantástico EP, enfim, pode ser uma porta de entrada para que os fãs de jazz, MPB e música instrumental brasileira —— os fãs de música boa, no geral —— possam conhecer a proficiente diversidade expressa nos outros sete registros do trio!
★★★¹/2 - Natalie Cressman & Ian Faquini - Guinga (GroundUp Music, 2024).
Achei interessante indicar este álbum aqui para nossos leitores porque trata-se de um duo incomum de trombone e violão e porque a base é a obra de um dos nossos mestres brasileiros mais especiais! A trombonista Natalie Cressman e o guitarrista/ violonista Ian Faquini, ambos brasileiros radicados nos EUA, se juntam aqui neste álbum para expressar um verdadeiro tributo à obra do emblemático violonista e cancionista brasileiro Carlos Althier de Sousa Lemos Escobar, mais conhecido como Guinga. Com uma obra requintada que se extende da canção popular ao choro e aos outros estilos e adereços folclóricos da música popular brasileira, Guinga se tornou uma figura emblemática tanto nos círculos cancionistas do gênero MPB como também nos círculos da música instrumental brasileira e do jazz —— e lembro de já ter ouvido até peças mais eruditas compostas por Guinga, vide suas parcerias com o Quinteto Villa-Lobos. Sendo dois jovens artistas tutelados pelo próprio Guinga, Natalie Cressman e Ian Faquini elaboram arranjos instrumentais para 14 criações do compositor, com o próprio Guinga emprestando sua tutela e sua bela voz em algumas canções, e com companheira de Guinga, Anna Paes, e a mãe de Natalie Cressman, Sandy Cressman, contribuindo com backing vocals em outras. O encontro que deu luz ao registro aconteceu no California Brazil Camp, em Cazadero, Califórnia, um local onde a música e a cultura do Brasil é o cerne dos encontros dos campistas. Além dos arranjos e vozes, percebe-se que a gravação recebeu posterior tratativa de edição com apliques singelos e bem pensados de overdubs, procedimento que só enriqueceu o material previamente arranjado. É o caso da canção que abre o disco, "Contradição", onde Guinga canta sobre a camada de acordes do violão de Ian Faquini e os overdubs do trombone de Natalie Cressman. Outras faixas apresentam apenas o duo de trombone e violão, com algum desenvolvimento improvisativo aqui e alí. O timbre de trombone de Natalie Cressman, aliás, é admiravelmente expressivo, expressando muito bem a ternura melódica das canções, mas também soando límpido e suave! Ian Faquini, por sua vez, mostra não apenas destreza ao violão, mas demonstra profunda imersão na amplitude harmônica de Guinga. Levadas, tons, traços e elementos de toada, bolero, baião, bossa nova, choro e até frevo, entre outros, estão bem distribuídos nas 14 criações do mestre, de forma que o álbum soa um tanto diversificado. Ainda temos a peça "Ellingtoniana", claramente composta por Guinga em homenagem ao gênio Duke Ellington, uma peça de inspiração jazzística com sombreamentos harmônicos interessantes que o próprio Guinga já gravou anteriormente com o Quinteto Villa-Lobos no álbum Rasgando Seda (2012).
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Fabiano do Nascimento: ★★★★ - Das Nuvens (Leaving Records, 2023).
★★★★ - The Room (w/ Sam Gendel) (Real World Records, 2024).
O violonista, compositor, arranjador e produtor Fabiano do Nascimento é natural no Rio de Janeiro e atualmente está radicado em Los Angeles, onde está imerso numa aquecida cena musical que conta com figuras como Kamasi Washington, Thundercat, Flying Lotus, Miguel Atwood-Ferguson, Sam Gendel e Carlos Niño. Similar ao que tem acontecido em cenas pulsantes como Detroit, Atlanta, Chicago e nas cenas do Reino Unido, o jazz em Los Angeles tem avançado e se variabilizado bastante através dos elementos e das influências orgânicas e eletrônicas da ambient music, do nu jazz, do dubstep, do hip hop, do tech-house, do minimalismo contemporâneo e de uma repaginação das ambiências mais etéreas, mais cósmicas e mais próximas ao spiritual jazz e à new age. E aqui quero indicar dois álbuns diferentes de Fabiano do Nascimento, os quais, apesar de não serem essencialmente "álbuns de jazz", foram gestados sob essa mesma névoa de influências onde o jazz contemporâneo se dilui e, ao mesmo tempo, absorve todos esses elementos eletrônicos, cósmicos, etéreos e suavemente dançantes. E no caso de Fabiano do Nascimento, estamos falando de um músico que, tão especialmente, está diluindo, também, elementos da nossa brasilidade nessa cena atualmente tão emblemática. Primeiro quero indicar o ótimo álbum autoral The Room (Real World Records, 2024), que registra seu duo acústico de violão 7 cordas e saxofone soprano com o citado saxofonista (e manipulador de eletrônicos em outros discos) Sam Gendel: trata-se de um álbum muito bem tocado, onde saxofone e violão adotam uma abordagem improvisacional reducionista ao mesmo passo em que salienta bastante a beleza harmônico-melódica bem azeitada das canções, com toques, traços e tons bem diluídos de MPB, choro, afrosamba e até tons de latinidade aqui e alí. A faixa "Capricho de Raphael", por exemplo, soa quase como um choro cadenciado na vibe do maxixe, enquanto outras canções já evocarão as influências do violão mais "denso" e "afro" de Baden Powell, também passando pelas influências do violão mais singelo de João Gilberto. Fabiano do Nascimento, aliás, demonstra ter uma ampla paleta de influências e fluências, incluindo notável destreza erudita, dado seu dedilhado que se remete ao estudo do violão clássico. Mas daí, desse espectro acústico, já saltamos para uma outra indicação de álbum ambientado numa estética totalmente diferente. A segunda indicação que aqui quero deixar é o álbum "Das Nuvens, lançado em 2023 pela Leaving Records. Nesse álbum, Fabiano do Nascimento já atua mais como um manipulador de eletrônicos, diluindo seu violão e suas cordas dedilhadas em ambiências, batidas suaves e vibes eletro-orgânicas e eletrônicas mais expansivas, mais orientadas para a névoa de inovações sonoras que hoje invade Los Angeles e pulveriza a cena, trazendo traços de EDM trap, tech-house, downtempo, minimalistmo ambient, spiritual jazz, new age, latin music..., e também evocando certa latinidade através do uso de uma oktav guitar, uma espécie de "charango" sulamericano (parecido com o ronroco de Gustavo Santaolalla). Usando seu próprio estúdio caseiro, Fabiano do Nascimento também conta com a colaboração do grande violonista e guitarrista Daniel Santiago (conhecido por tocar com Hamilton de Holanda), que também desenhou a capa do disco. Ademais, é muito imaginativo como o próprio Fabiano define sua viagem em Das Nuvens como uma busca que evoca a poética das paisagens levadas pelo vento, a poética das exuberantes florestas latino-americanas que ficaram em sua memória desde a juventude. Fiquemos atentos à Los Angeles e às próximas criações de Fabiano do Nascimento!
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